"Seagrass", un drama que expone el racismo y el clasismo canadiense

En su ópera prima, que forma parte de la Competencia Internacional, la realizadora canadiense  Meredith Hama-Brown, directora de "Seagrass" plasma el relato de un viaje de vacaciones familiar que empieza a dejar ver las costuras de una crisis reciente, atravesado por algunos comentarios sobre las diferencias de clase y el racismo que exhibe la sociedad canadiense. Hama-Brown fue nominada para los premios UK Music Video Awards. Seagrass fue seleccionada para el Tiff Filmmaker Lab.

-Seagrass incorpora temas que tienen que ver con tu vida y tu experiencia. ¿Por qué decidiste abordarlos a través de esta historia?

-Esta es una película de ficción en términos de eventos, personajes e historia; sin embargo, incorpora temas que están profundamente arraigados en mí, como la dinámica entre hermanos, preguntas sobre la identidad femenina, la maternidad y la identidad canadiense japonesa. Quería abordar estos temas en esta historia porque son temas en los que pienso mucho y con los que creo que el espectador podría identificarse.

En términos de analizar la identidad japonesa-canadiense (especialmente los efectos intergeneracionales del encarcelamiento de los japoneses canadienses en la década de 1940), es algo que nunca antes había visto representado en una película, al menos no de esta manera. Quería hablar desde un punto de vista muy específico sobre cómo este evento afectó a las generaciones futuras de la comunidad japonesa-canadiense.

-¿Cómo fue el proceso de trabajo con las jóvenes actrices que interpretan a Emmy y Stephanie para dar forma a dos personajes que llevan buena parte del peso dramático de la película?

- Esperaba tener un proceso de ensayo muy largo, ¡pero resultó que solo las seleccionamos una semana y media antes del rodaje! Debido a esto, al final solo tuvimos unos pocos días para trabajar juntos antes del rodaje. Utilicé este tiempo de ensayo para conocer a las niñas y también hicimos muchos juegos de teatro para romper el hielo. También ejecutamos escenas para poder ver su relación con el material, pero no quería trabajar demasiado las escenas, así que usé diferentes ejercicios para ejecutarlas de diferentes maneras cada vez. Una vez que llegamos al set, traté de adaptarme como directora y ver qué funcionaba mejor para cada actor (ya fuera uno de los niños o adultos). Tuve mucha suerte porque todo el elenco fue fenomenal, incluso todos los niños, y eso facilitó el proceso.

-La ansiedad y el miedo que sienten los personajes se hace tangible a través del trabajo del sonido y la imagen. ¿Cómo pensaste en estos aspectos para darle forma al malestar que acecha a los personajes?

-A través del diseño de sonido y las imágenes quería capturar la sensación de inquietud que están experimentando los personajes, pero tampoco quería llevarla más lejos. La sensación de ansiedad en la película no solo se muestra como algo que da miedo, sino también como algo que, en última instancia, puede ser transformador. En las conversaciones con el director de fotografía (Norm Li) y el diseñador de sonido (Oscar Vargas), hablamos sobre cómo encontrar este equilibrio en las elecciones creativas. Estas elecciones crean una sensación de inquietud, pero también, a veces, una sensación hermosa y orgánica. Quería mostrar que nuestros miedos y ansiedades también pueden ser una fuerza protectora y algo de lo que podemos aprender.